主题2:关于绘画是否死亡的问题讨论
发布时间: 2014-04-15 浏览次数: 38
主题: 国画是不是死了?
老师:
您好!
我是您视觉艺术与设计班里的学生。今天上课讨论到“国画是不是死了?”这个问题时,我突然想到之前看到的一条欧洲人关于现代舞的评论,是说“当欧洲人以为现代舞已经死了的时候,一个亚洲人金星的出现给我们指明了现代舞的发展方向”。就是说这个艺术并没有死亡,而是在等待一个兴旺的契机,这个契机一旦出现就能让所有人明白它从来不曾离开过我们。我想国画也是这样吧,我小时候就学过国画,也非常喜欢这种艺术形式,但是很遗憾没有坚持学到现在,今天的课让我重新激起了对国画的浓重兴趣,所以想好奇地向老师请教现在国画的现状如何?还有很多画家在坚持画国画吗?国画在画界还“流行”吗?
非常感谢您!
真诚感谢您的阅读!Thanks for your attention!
祝您一天工作生活愉快!
竺珂
 
竺珂:
欣赏你的观点,即国画不会死亡,随着时代发展会重新崛起。
现在国画的现状不是一句两句能概况的,如果作为你业余爱好,我觉得完全可以坚持下去,因为你在其中感受到快乐,也与他人无关,这种快乐不是其它东西可以代替的。
据我所知,我的同学,以前国画专业毕业的,今天还在坚持画国画的人很少,甚至从事艺术的人也很少,但是向我这样原来从事设计的人现在做艺术也不是没有,所以坚持与否实在没有参照性。
你要知道你心中有个太阳,你成为太阳,其它星球就会围着你转,很多画家在坚持画国画、国画在画界还“流行”等问题也就不重要了。
周进
 
主题: 关于艺术死亡论的个人观点
周进老师,
以下是我完整的关于艺术死亡论的观点。
首先对于艺术死亡和绘画死亡我个人认为是两个从属性质的概念,艺术死亡包括绘画死亡。但艺术本身包括许多形式,有淡出的中世纪古典主义也就必然会有新生的超现实主义,我更倾向于用社会学中功能主义的整合理论来解释艺术的变化——自我调节适应的有机体,因此我并不认为艺术走向死亡,而是始终处在相对平衡状态。
如果单独抽出绘画这种艺术来探讨是否死亡也许就会得到另一种结论。正如我在课堂上关于西方绘画死亡的发言,我始终认为西方绘画并没有死亡。原因有二,首先如何定义西方绘画。显然某个特定时期的绘画形式不能代表整个绘画史,所以,绘画史像一场接力赛跑,每段绘画风格总会有其完成历史使命的时刻。正如在照相机发明以前,画家大多担任画匠的工作——尽可能真实描述客观事物。举这个例子我也表达,艺术并非真空之物,她的形式伴随着时代的发展而发展。之所以会谈及“死亡”二字,我想可能并非说的是其本身的不存在,显然这是不合常理的,因此我的观点落脚在绘画的受众群体之上,也就是我认为西方绘画并没有死亡的第二个原因。
其次,艺术拥有使其生存的土壤。去年去英国伦敦参观许多艺术绘画展览的时候,我印象最深刻的不仅是一幅幅世界名作,更是一群群普通的英国大众甚至是小学生将艺术欣赏纳入习惯的生活方式。他们的生命中渗透着艺术的气息,跳跃着艺术的细胞,在这样的一个大众美学的氛围下,绘画怎会轻易死亡?而这一点正是中国绘画和西方绘画是否死亡的一个重要区别——在中国会去参观艺术绘画尤其是中国画展览的人越来越少,仿佛中国艺术与大众渐行渐远,而这点却是我认为很应该担忧的。
谢谢阅读!
孙琳
 
孙琳你好:
这是我听到的关于艺朮是否死亡的问题的最好见解。
其实当我每次开始一张画时,都会问自己如何改变,因为一切已有的艺术都是历史,艺术家需要进步。
中国艺术与大众渐行渐远,这一点你很敏锐,吴冠中批判徐悲鸿是非常深刻的,他还说了一句话,“延安的革命思路加上苏联的影响......把中国的审美方向影响了。”,而这些我们在课堂上是无法去讲的。
期待你的继续互动噢!
周进
 
关于“中国画死亡论”的一些思考
周老师:
您好!
我是视觉艺术与设计课的一名学生,我叫赵晴。关于您在课上提出的“中国画死亡了吗”这个问题,我想提出一些可能不太成熟的观点。
首先,我想谈一谈关于【笔墨等于零】的阅读材料。我认为吴冠中所提出的“笔墨只是奴才,它绝对奴役于作者思想情绪的表达”这句话,明显的把笔墨定义为一种表现形式,也就对应了张仃所谓的“按西方人的逻辑,常常认为是内容决定形式,内质决定表象,艺术上是形式为内容服务”。如果从这个定义出发,那我极为认同吴的观点,而对于张所谓的“这实际上是为了一种分析的方便”不敢苟同。其实,从哲学上讲,这就是:世界观决定方法论。
在确认“笔墨”概念的基础上,我想来说一些对中国画死亡论的看法。我认为中国画并没有死亡,因为我们必须承认,仍然存在一部分从事中国画创作的人。但我们也不得不承认,中国画是在一个衰退的过程中。对于衰退的原因,在上课的时候,我把它归咎于传播方式的改变。飞速发展的电子化、数据化取代了原有的笔墨的地位,人们热衷于采用现代的技术实现生活的快速和便捷,而懒于用双手记录下眼睛发现的艺术。那么,是科技的迅速发展压榨了艺术的发展空间。但在阅读过【笔墨等于零】后,我想,如果我们承认“笔墨等于零”这一观点,那么无论是艺术的繁荣抑或是衰退都不能归因于媒介(或者可以说工具)。人们懒于创造艺术,是因为心灵的倦怠。他们画不出杰作,是因为他们的脑海里没有杰作,而不是因为他们不愿意出门去买毛笔和宣纸。也就是说,他们丧失了“从所见的事物外观发现意义的能力”。
由此,艺术的复兴变得困难。因为我们不希望艺术在少数艺术家的坚持下苟延残喘。那么如何重建大众对于艺术的追求变得极为困难。这并不是改变传媒方式(物质)的任务,而是重建大众内心的巨大工程。问题又回到现在许多学者所倡导的摆脱快节奏生活的束缚,寻求“诗意的栖居”。我不敢肯定在急功近利的思潮下,少数艺术家的坚持是否可以得到尊重和理解?是否可以在大潮中屹立不倒甚至扭转乾坤?但我很期待,人们愿意转变思维方式,因为这不但是艺术的复兴,也是人类思想和修养的复兴。否则,艺术或许真的有走向死亡的一天——当人们把所有的艺术金钱化的时候。我想那是所有人都不愿看到的一天。
以上就是我对这个问题的一些看法和延伸。也许并不成熟。
谢谢您的阅读,也希望得到您的一些指导和建议。
12级经管4班 赵晴
 
赵晴:
你好!
非常高兴清晨在办公室读到你的来信!
毫无疑问,艺术创作是一种世界观的反映,当代人的作品应该反映当代人的世界观。而每个人在各自世界观的主导下,艺术家选择了自己认为合适的创作手法,呈现出不同的图景。提出“中国画死亡论”、“中国画穷途末路论”的理论家们从文人画理念的丧失(世界观)、创作材料、技法的老套(方法论)两个方面提出中国画完了,没有更大创新与突破了。当然,他们也承认,从个人休性、养心的角度自娱自乐创作,中国画依然存在着,但无法进入全社会文化生活的层面。
我个人认为,吴冠中先生提出“笔墨等于零”是一种观念上的突破。因为在实际创作过程中他并没有放弃对“笔墨”的追求,他的作品很注重笔墨的技巧。因为没有极高的笔墨技巧,艺术作品在视觉层面上无法让人欣赏。所以,他其实默许了一个前提:笔墨是重要的、基本的,古人已经说了,今天的人应该更重视观念的构建!
在我看来,“如何重建大众对于艺术的追求?”很难,我想吴冠中先生也清楚这一点,艺术需要大众。但是,对于一个艺术家能做什么?唯一能做的恐怕是从自己做起,坚守自己对艺术的追求,吴冠中先生说“我负丹青”、“艺术需要殉道精神”就是这种理念的体现,实际上他用自己的一生来坚持艺术,不管其它的东西。这种做法也是我目前认为的对如何让“艺术不死”的唯一方法,自己的内心不能熄灭艺术之火,其他人和世界其实我们无法左右。
很欣赏你写作的逻辑性与文笔,期待你在课堂上的更多分享。
周进
版权所有 © 视觉艺术与设计